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Breves desde Sitges 2012

 

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Contando muchas ausencias importantes que me han sido imposible ver – Cabin in the woods, Holy motors, Gangs of Wasseypur, Spring Breakers, Maniac – y que han sido recibidas con mucho entusiasmo, e aquí un año más mi repaso a lo visto durante el tiempo que pasé en el Festival de Sitges. Este año se ha visto marcada por una patente crisis, pero también por una enorme participación de la gente, con sesiones llenas incluso entre semana. Si he de ponerle algunas pegas, no veo con buenos ojos que las películas no vayan acompañadas ya del correspondiente cortometraje (sé que a todos puede molestarnos que nos obliguen a verlos y que su ausencia ha agilizado los horarios, pero hay que entender que es la única forma de darle una gran proyección a gente con mucha ilusión) o que la comida en el único puesto de bocadillos en el Auditori fuese especialmente despreciable. Pero son dos problemas menores por un año de películas muy polémicas y una gran apuesta por un cine extremo, valiente e intenso independientemente de su calidad. Que así sea.

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The ABCs of Death (Angela Bettis, Hélène Cattet, Ernesto Díaz Espinoza, Jason Eisener, Bruno Forzani, Adrián García Bogliano, Gadi Harel, Thomas Cappelen Malling, Yoshihiro Nishimura, Banjong Pisanthanakun, Simon Rumley, Tak Sakaguchi, Marcel Sarmiento, Yûji Shimomura, Srdjan Spasojevic, Timo Tjahjanto, Andrew Traucki, Nacho Vigalondo, Jake West, Ti West, Ben Wheatley, Adam Wingard, Jorge Michel Grau, Jon Schnepp & Lee Hardcastle)

Con cualquier proyecto de varios cortometrajes con distintos directores siempre hay que temer la irregularidad. The ABCs of Death no es distinto, puesto que la ambición, gusto o incluso objetivo de cada corto es muy variado pero sí parece haber una homogeneidad en cuanto al talento de la mayoría de sus directores. Siempre sorprendente y con algunos de los nombres más imprescindibles que han emergido en el fantástico en los últimos años, la película despliega cierto encanto gamberro y provocación a raudales.

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Ahí va el diablo (Adrián García Bogliano)

Con un argumento particularmente clásico, Bogliano consigue enriquecer esta historia de las dudas de una madre ante el comportamiento de sus hijos. Ramificando un argumento que toma distintos enfoques a lo largo de su metraje, puede que la película nunca llegue a ser del todo un drama, un thriller o una historia de terror realmente efectiva, pero mantiene constantemente el interés y se resuelve con cierta elegancia, a pesar de que se eche en falta algo más de riesgo y personalidad.

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Antiviral (Brandon Cronenberg)

Siguiendo la estela de la Nueva Carne que su padre abandonó a finales del siglo pasado, Brandon Cronenberg propone un ejercicio de actualización que demuestra un mayor cuidado estético. Si bien su discurso puede resultar mucho más evidente que en las obras de su padre, también es una película que se defiende por sí misma ante el aluvión de ideas de ciencia ficción que mantiene durante todo el metraje, desarrollando un mundo a través de la obsesión por los famosos y como su mercantilización afecta a una sociedad distópica.

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Area 407  (Dale Fabrigar & Everette Wallin)

Aunque el género found footage ha llegado un punto de sobrada verosimilitud y cierto encanto, resulta bastante difícil sostener en diversas situaciones y no exime de los mismos defectos que puede tener una película convencional, pasando por la poca entidad de los personajes y los argumentos genéricos. Esta película no tiene nada que ofrecer, salvo personajes gritando y corriendo mientras la cámara tiembla y un plano final digno de la peor tv movie de Syfy.

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Berberian Sound Studio (Peter Strickland)

Desde un planteamiento muy estricto, la película se plantea como un contraplano a las entrañas del giallo, donde los elementos más simbólicos de la misma (fotografía de colores saturados, la música, bellas mujeres italianas gritando, manos enguantadas…) forman una historia distinta, la de un inglés editor de sonido rodeado del muy excéntrico equipo italiano. Aunque sus juegos metaficcionales no van más allá de lo que podría ir en Inland Empire (David Lynch, 2006) y hay cierto trasfondo sobre la oclusión de la violencia que tiene un cierto tono de superioridad moral contra el género, es también un viaje donde los símbolos reconocibles nos guían para construir una imagen totalmente distinta a la original.

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Bestias del sur salvaje (Benh Zeitlin)

Con el éxito en Sundance y Cannes como aval, esta ópera prima podría ser tan merecedora de sus logros como sospechosa por su unanimidad crítica. Yo me inclino totalmente a favor de un ejercicio tan libre, siguiendo a una niña tan imaginativa como confundida por las ruinas de un nuevo mundo, atrapada en una fábula caótica y vitalista, decididamente antinarrativa y preciosista. Una especie de nana infantil de cierto ambiente liberalizador y desbordante de talento,  conducida por una joven actriz que resulta un pequeño milagro desplegándose sobre la pantalla. Cuando se habla de ella como de una de las películas del año y en la carrera hacia los Oscar, podemos decir que esta vez no es nada disparatado.

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El bosque (Óscar Áibar)

Una de las películas más extrañas que haya dado nuestro cine. Si bien no es la primera vez que se combina el ambiente de la Guerra Civil con el fantástico, aquí la suma resulta particularmente heterogénea, como dos argumentos que chocan y se entrelazan entre sí. También sorprende el tratamiento de los personajes, desde una perspectiva que rara vez hemos visto en los últimos años al acercarse al conflicto. No exenta de cierta autoconsciencia y humor, aunque a veces demasiado complaciente, contiene imágenes que resonarán como auténticas rarezas en el cine español.

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Cosmópolis (David Cronenberg)

Felicitada como el regreso de Cronenberg después de varias películas más alejadas de su universo creativo (aunque totalmente coherentes con su discurso) Cosmopolis se levanta como el contraplano de una novela cyberpunk, donde seguimos al villano de ese y nuestro mundo en su faceta reflexiva y autodestructiva tratando de recuperar una libertad perdida. Los diálogos son la base de la película, que aparecen más densos de lo habitual e intencionadamente fragmentarios y confusos, mientras Cronenberg se divierte dibujando una sociedad decadente y manteniendo un humor muy radical.

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The Doomsday Book (Kim Ji-woon & Yim Pil-sung)

Recopilatorio de tres historias de ciencia ficción que, como todos los casos de películas en capítulos, tiene resultados desiguales. A brave new world es una historia de zombies con mucho humor sobre la confusión, The heavenly creature, la mejor de las tres historias, trata el conflicto de un robot budista que carece de deseo y, por tanto, ya ha alcanzado el Nirvana; en Happy Birthday una bola de billar gigante se dirige a la tierra, que se muestra como la más intrascendente del conjunto.

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Drácula 3D (Dario Argento)

Perdido ya cualquier rastro de intención estética del Argento que añoramos, Drácula 3D puede ser entendida como el Twixt (Francis Ford Coppola, 2010) del director italiano, aunque sea difícil encontrar rasgos de autoconciencia en la misma. Próxima al cine de Jess Franco pero con mucha influencia argumental del Drácula de Coppola que de la novela original. No siempre tan caótica como cabría esperarse pero desde luego injustificable en muchos aspectos, tiene la virtud de no hacerse en exceso pesada para el poco interés que consigue mantener.

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God bless America (Bobcat Goldthwait)

Goldhtwait ha estado labrándose una carrera como cineasta más que interesante, especialmente en un discurso revulsivo que conduce en los márgenes de la comedia norteamericana.  Con esta nueva incursión, más directa si cabe, consigue resultar tan entrañable y sincero que es inevitable perdonarle los defectos. Aunque en algún momento la película puede pecar de moralista y discursiva, se trata de una obra que consigue ser un reflejo de los tiempos de descontento actual, cargando contra esa cultura memética que se vale de la ironía para resultar superficial e intentar pasar por chocante. Podría decirse que a veces Goldhtwait peca de lo mismo que denuncia, pero hace un díptico especialmente significativo con Super (James Gunn, 2010) sobre la búsqueda de significado tras la misantropía.

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The Great Magician (Derek Yee)

Adaptación del mismo relato en el que se basó El ilusionista, aquí toma un tono irritantemente bufo y presume de todos sus medios del modo más exagerado posible. A veces juega la baza del metalenguaje, relacionando ilusionismo, cine y revolución, pero siempre de manera un tanto burda. Desplegando toda la espectacularidad del cine de Hong Kong y tratando de contentar a distintos espectros del público sin que la suma de las partes forme un todo, resulta un producto la mar de curioso del mainstream asiático cuyas ambiciones desmesuradas queman aislados momentos de genialidad plástica.

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Hotel Transylvania (Genndy Tartakovsky)

Tartakovsky puede presumir de un merecido puesto en el olimpo de la animación televisiva, así que es normal que hubiese expectación ante su primer largometraje. Y sí, Tartakovsky está aquí en los gags físicos, el ritmo impresionante, las distintas capas de acciones simultáneas o los divertidos y originales cambios de estilo en algunos fragmentos animados; pero también se ve rodeado de concesiones un tanto molestas, que van desde los chistes escatológicos más básicos hasta el inevitable peaje del uso de la música de moda o una moraleja más que discutible sobre el amor verdadero. Desaprovechando secundarios y cargando mucho las tintas en el componente familiar, se deja ver siempre que sea en versión original, puesto que el desastroso doblaje (acentos andaluces incluídos) lo convierten en un producto incluso más pobre de lo que es.

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Juego de niños (Makinov)

Auténtico despropósito bajo el que se oculta un remake clónico de ¿Quién puede matar a un niño? (1976) donde consigue que todas las virtudes de la película de Chicho Ibañez Serrador salgan a la luz. Bajo el pseudónimo de Makinov, el director omite referencia alguna a la obra original en créditos y se adjudica todo el “mérito” de una película que no consigue ser ni tensa ni entretenida, además de ser incapaz de añadir nada 35 años después, despreciando el mensaje político de la obra original en favor de algo más impersonal.

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Iron Sky (Timo Vuorensola)

Aunque podría haberse quedado simplemente en su premisa y ceñirse a un desfile de ucronía steampunk, la película acaba siendo una sátira de trazo grueso contra la política norteamericana, la propaganda y las escaladas armamentísticas. Si bien algunos chistes pueden resultar excesivamente telegrafiados y el clímax apuesta por una embrollada batalla espacial con la que es fácil perder el interés, todos funciona mejor cuando se centra en los personajes y sus conflictos o en el humor puramente visual e icónico.

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Looper (Rian Johnson)

Aunque su premisa sobre viajes en el tiempo plantea más piezas de las que finalmente forman parte, la nueva película de Rian Johnson es una muy disfrutable historia de ciencia ficción con una apuesta decididamente retro y un enorme trabajo de guión y edición. Ejemplo perfecto de como el mainstream puede tener mucha personalidad y talento detrás, la película es el acercamiento perfecto al gran público de la naturaleza de los mejores relatos y novelas de ciencia ficción, ejerciendo algunas de sus ideas con impecable brío aunque el experto en la materia adelantará más sus expectativas de lo que realmente la película ofrece.

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The lords of Salem (Rob Zombie)

Aunque ha sido la gran polémica del festival por sus reacciones polarizadas, en mi opinión Zombie entrega un producto puramente sensorial y simbólico, despreciando el argumento principal en favor de un estado mental que bebe a partes iguales de KubrickKenneth Anger y Ken Russell. Cargada de imágenes psicóticas hasta la extenuación, la película se pega a tu cabeza como el musgo a la roca y empieza a crecer, pidiendo nuevos visionados y un análisis al detalle. Puede que, en algún momento, su ritmo demuestre una intención de convertir el clímax en un ejercicio tan radical que pida al espectador gritar, formar parte del aquelarre, pero aunque algunos de sus momentos puedan bordear el ridículo y sacarnos de ese trance, se puede decir que estamos ante un auténtico bombazo del cine fantástico.

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New Kids Nitro (Steffen Haars & Flip van der Kuil)

Secuela de New Kids Turbo que, a su vez, era la adaptación a la pantalla grande de la comedia holandesa New Kids, conocida por su tono especialmente soez. Aquí la excusa es una invasión zombie que acaba siendo una repetición constante de los mismos chistes: en los diez primeros minutos asistimos a tres chistes que culminan con atropellos accidentales y se atreven incluso a reciclar bromas de Shaun of the dead. Pretende ser un Ali G, un Torrente, un Klovn, un Trailer Park Boys o un The Inbetweeners sin llegar ni remotamente a tocar la capacidad para el ingenio y la sátira de cualquiera de estos.

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Outrage Beyond (Takeshi Kitano)

Nuevo regreso de Kitano al cine de yakuzas, aquí con intenciones mucho menos abstractas y continuistas. Mientras que el planteamiento inicial sobre las luchas de poder de las distintas familias delictivas se sigue con cierta facilidad, la llegada de su personaje promete una espiral de violencia a la altura de la filmografía que le precede, sin embargo, después de unas pocas pero muy intesas secuencias donde su imaginativa violencia sale a relucir, la película no parece encontrar un clímax adecuado y se consuela con lo que, aparentemente, es la promesa de una tercera parte.

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Robo-G (Shinobu Yaguchi)

Comedia excesivamente blanca, la historia de un grupo de ingenieros que rompen por accidente su robot y lo sustituyen por un anciano disfrazado es fácil de digerir, pero es inevitable pensar en la multitud de sitcoms que han tirado de un argumento muy similar o parecido y que la película parece seguir al dedillo, sin un ápice de sorpresa. Aunque apunta algunas ideas interesantes a través de como los ingenieros tratan de enmendar su error y el suspense por saber de hasta cuando podrán mantener la farsa,  el producto final resulta un tanto intrascendente.

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Safety not guaranteed (Colin Trevorrow)

¿Es esta una película honesta? Cierto es que mantiene algunos elementos muy propios del cine de Sundance, en su necesidad por colgarle la etiqueta “indie” a todo lo que mantiene un humor referencial, lacónico y una escasez de recursos. Pero también es cierto que la película contiene una capacidad para mantener pendiente hasta llegar a un catártico final. Construida como la confesión de un perdedor y la necesidad de superar su condición únicamente través de la ficción, esta es una película de viajes en el tiempo donde todos esos viajes al pasado se realizan desde los sentimientos y la memoria, y sobre la necesidad de aceptar la propia derrota, sobreponerse al error y mirar hacia delante. Tras esa máscara que pretende vender como héroes a los marginados se esconde la visión de un marginado cuya única salida es construir este film como método para superar sus propios traumas, y eso sí parece honesto.

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Seven psychopaths (Martin McDonagh)

Con el imborrable recuerdo de Escondidos en Brujas (2008) en la memoria, había muchas expectativas puestas en la nueva película de Martin McDonagh. No solo las cumple sino que las dinamita: es tan consciente de la clase de película que esperamos que juguetea a ver si podríamos plantearnos una película distinta. Metarreferencial, lleno de personajes inolvidables y humanos dentro de su caricatura, hablamos de una película que incluye su propia crítica a sus virtudes y defectos. Tiene, además, al menos dos pequeñas historias irreprochablemente escritas, ambas con un final tan magníficamente hilvanado que demuestra la calidad literaria de su autor y el conocimiento profundo del género que posee.

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Side by Side (Christopher Kenneally)

Pese a que su comienzo hace intuir que nos encotramos ante una obra más didáctica de lo deseable, Side by Side pronto encuentra su verdadero tono alternando entrevistas a algunas de las figuras más importantes del cine actual y pretérito, a aquellas personas que entonces y ahora hicieron lo posible para usar las nuevas herramientas que ahora abren posibilidades infinitas. Es ahí cuando cada director se retrata fuera de las habituales entrevistas pactadas y declaraciones cómodas, y se relajan. Asistimos entonces a un desfile que se extiende desde un Christopher Nolan cabreado hasta un David Fincher rozando la psicopatía, un egomaníaco George Lucas o un zen David Lynch. Cabría esperar que en la sala de montaje se haya quedado material mucho más interesante en favor de focalizar su defensa del cine digital, pero lo que queda es un retrato de un punto de inflexión en la historia del séptimo arte.

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Sightseers (Ben Weathley)

Carente de la asfixiante atmósfera de Kill List (2011), Weathley apuesta aquí por la comedia negra, quizás más cerca de la incomodidad de Canino (Yorgos Lanthimos, 2009) que de cualquier otra comedia al uso. Hay en ella elementos que no llegan a desarrollarse del todo – el personaje de la madre – pero sí hay una crítica impecable a la mediocridad inglesa, a la incapacidad para huir de tal adocenamiento y a la necesidad de arreglar los propios problemas antes que interactuar con el resto del mundo, donde el impacto con otra gente – sea la sociedad misma, la familia, la mascota o la pareja – resulta en un conflicto donde solo podemos quedarnos solos.

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Sinister (Scott Derrickson)

Empeñada en ser la Insidious (James Wan, 2011) de este año, aunque carente de todo el sentido del humor y el disparate tonal que contenía aquella, Sinister busca ser una propuesta medianamente seria de la clásica historia de casa encantada. La película podría dividirse en dos tramos – que un divertido y oportuno incidente en el Auditori, cuando se interrumpió la película, se encargó de recalcar – el primero muy heredero de Marble Hornets y de los maravillosos recursos de terror que Internet ha explotado ante la posibilidad de estudiar las imágenes perturbadoras; el segundo, tirando ya más de lo sobrenatural, resulta a ratos angustioso a ratos desconcertante y se precipita a un final que no esconde demasiadas sorpresas (es relativamente fácil, si se está atento, adivinarlo mucho antes de que ocurra) pero que deja suficientemente satisfecho.

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Thale (Aleksander Nordaas)

Arrancando como una historia de terror ínfimo con ecos de body horror, poco a poco se desvela como un relato melancólico e incómodo que readapta las leyendas noruegas con cierto estilo y cariño. Cierto aspecto descuidado contribuye a crear la sensación de crueldad de la cinta. Esta avanza con pocos elementos y menos giros pero siguiéndose con interés ante las reacciones más humanas de sus personajes y su particular laconismo. Una película imperfecta que contiene el plano más bello del festival de este año.

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The Viral Factor (Dante Lam)

Lam apuesta sobre seguro con su habitual contundencia visual y su capacidad para crear espectáculos de acción sólidos, pero, a diferencia de otras obras anteriores, la pérdida de una verdadera construcción de personajes y una entidad emocional que de algo de relevancia al conjunto ha desaparecido por completo. El resultado es una película que empieza in media res, donde se suceden muertes, emboscadas y traiciones sin que tenga mayor interés. La necesidad de pisar el acelerador en secuencias impactantes la convierten, por momentos, en algo ridículo sobresaturado de cámaras lentas y efectos digitales.

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Vous n’avez encore rien vu (Alain Resnais)

Haciendo uso de un reparto como nunca se había visto, Resnais plantea en la realidad y en la ficción un juego de espejos y lleno de normas que él mismo va saboteando gracias a su maestría en la puesta en escena o el montaje. Facilitado por las nuevas tecnologías, el universo que se desenvuelve en torno a tres generaciones de intérpretes representando la misma obra, dialogando entre sí, termina siendo tan infinito como la imaginación de su autor, con puertas que aparecen de la nada o decorados que se alternan en un parpadeo. Sin embargo, se trata de una película de notable candidez en algunos de sus planteamientos y que no puede ser del gusto de todos.

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The Wall (Julian Roman Polsler)

Partiendo de una premisa más o menos interesante – una mujer queda aislada del mundo en un refugio de caza, acompañada tan solo por un perro, debido a un muro invisible que rodea el paraje natural –  pronto esta se abandona en favor de una incesante voz en off que no deja de redundar en los métodos por los que la protagonista busca sobrevivir. Incapaz de desarrollarse más allá y siendo cada vez más antipática, la película se alarga hasta la extenuación entre reflexiones vacuas para acabar con un golpe de efecto totalmente innecesario y desvinculado de la historia. En general, prima la sensación de que aquí podría haber una verdadera gran película, pero todo parece estar predispuesto para lo contrario.

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Wolf Children (Mamoru Hosoda)

Cabría preguntarse hasta que punto Hosoda fue consciente del fenómeno fan que generó su anterior película, Summer wars (2009) a partir de fetiches sexuales. Aquella había sido una película que combinaba épica y costumbrismo familiar, llena de humor blanco y un excelente talento para el drama. Wolf Children no es distinta pero nace de una premisa inequívocamente parafílica: el bestialismo. Una vez resuelto ese escollo con relativa elegancia, la película toma un rumbo distinto hacia algo más próximo a una oda al mundo rural, en sintonía con Mi vecino Totoro (Hayao Miyazaki, 1988) pero más en forma de fábula que de narración convencional, buscando aquí y allá momentos cotidianos y evolucionando a medida que crecen sus pequeños protagonistas. No es una película que pueda resultar interesante a quién no vaya buscando exactamente esta clase de melodrama anime con sensibilidad sintoísta, pero los demás, como es mi caso, se verán sobradamente recompensados.

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Wrong (Quentin Dupieux)

El regreso de Dupieux tras Rubber (2011) traía consigo la duda de hasta que punto este director podía sobrevivir al absurdo mundo que había construido para su ópera prima. Lo que en un principio parece seguir la misma trayectoria, acaba siendo un proyecto ligeramente más convencional, sin que por ello decaiga la capacidad para enlazar una broma radical con otra o un sentido de la unidad en un universo caótico y, a la vez, hierático. Aunque en algún momento peca de elementos forzados o no tiene reparos en repetir alguno de sus gags un par de veces, consigue tener momentos tan acertados como la conclusión de la trama del jardinero, que llevan a replantearse de nuevo todo lo que hemos visto.

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El espacio del cine se empequeñece

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Con las palabras del título termina Albert Serra esta entrevista en Sight & Sound. Pertenece a esa raza de directores a los que esa situación no debería preocuparles: su espacio de proyección es pequeño, sí, pero fiel y entregado. No solo Serra, sino gente como Jose Luis Guerín o Sergio Caballero, pueden permitirse seguir fieles a sus pretensiones cuando estas se ejecutan a un nivel bajo. Con “bajo” quiero referirme a la ausencia de presupuesto y medios, pero no a la ausencia de ambiciones. Es más, ese cine “pequeño” es, por su propia condición, más ambicioso que ningún otro.

Sin embargo, todos notamos que si bien la presencia de esta clase de cineastas es ahora más accesible y prolífica que nunca, el “espacio del cine” parece haber delimitado tan solo dos extremos: el ya mentado y el del megablockbuster, donde las franquicias, el 3D y el Cine Evento domina por encima de todo. Pero, ¿que pasa con los espacios intermedios? ¿Dónde queda la “virtud” aristotélica? Es evidente que la amplitud de oferta ha desplazado a muchos cineastas, como es el caso de Francis Ford Coppola y su reciente Twixt, un juguete en manos de un cineasta que coronó Hollywood; pero también ha permitido que otros se reciclen cuando más perdidos estaban, caso de Kevin Smith con Red State, un caso de producción y distribución imposible en el pasado reciente. Estas dos últimas películas estaban presentes en el pasado festival de Sitges, de donde me fui con la sensación de una creciente oleada de cine “pequeño” que, en principio, no pertenecen al mismo cerco que la gente como Serra se han marcado para sí mismos. Allí estaban también Extraterrestre, de Nacho Vigalondo, que funciona por su economía de medios expandiéndose en una dirección inusual en su género, “Diamond Flash” deCarlos Vermut – que lamento no haber podido ver aún, siendo como es ya de culto – la rareza Hellacious Acres: the case of John Glass de Pat Tremblay o Love de William Eubank. No se si la falta de presupuesto agudiza el ingenio, pero no me cabe duda que dispara la pasión por el cine.

¿Qué consecuencias tenemos? Aquel cine “intermedio” que podía permitirse resultar atrevido y apelar al público por afinidades y no por estadísticas se ha visto desplazado a un no-lugar. Y de ese no-lugar se asoma extraño y misterioso. No es la situación idónea, pero desde luego hace fructificar cosas muy hermosas. Por otro lado, siempre habrá espacio para películas tan dispares como Buried de Rodrigo Cortés o Super de James Gunn, capaz de encontrar otros modos de llegar a la gente cubriendo un espacio para voces como las suyas. Hay que hacer hincapié que esto no es el mismo fenómeno que trajo a – de nuevo – películas como Clerks de Kevin Smitho Pi de Darren Aronofsky, ni tan siquiera a gente como Jim Jarmusch o John Waters. Ya no se trata de encontrar nuevos huecos de mercado, sino de crearlos de la nada. Cada película como su propio mercado. Iniciativas como Jouli Sit! del cortometrajista Pablo Hernando – autor del hermosísimo corto Agustín del futuro –  me despiertan un profundo interés y satisfacción por ver como se desarrollan nuevas maneras de entender el cine como industria. El espacio tradicionalmente asociado al cine puede haberse empequeñecido, pero, mientras tanto, algunos cineastas ya están crean nuevos y múltiples espacios futuros.

Breves desde Sitges 2010

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He aquí unos breves comentarios sobre las películas del festival de Sitges que he podido ver este año. Muchas sorpresas, muchos nombres a tener en cuenta y sobre todo, lo mejor del género se han vuelto a dar cita en las salas de cine del festival catalán. No descarto ampliar muchas de estas opiniones en cuanto sus estrenos sean mayoritarios, pero este aperitivo pretende servir de pequeño adelanto y guía de referencia personal, apuntando también algunos de los cortometrajes más sorprendentes del festival.

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Agnosia (Eugenio Mira)

Eugenio Mira vuelve tras la incomprendida The Birthday para romper de nuevo las expectativas. Agnosia podría ser el terreno ideal para las conspiraciones de folletín pero en su lugar tenemos un elegante mcguffin que deriva poco a poco en una set piece central hipnótica, en la que la lucha de dos hombres por el amor de una misma mujer va alcanzando trazos gestuales minúsculos como principal voz. Cerrada con un plano que demuestra la intención más poética que narrativa de la película, se le achaca ciertos quiebros en la estructura, dificil de diferenciar si son problemas de montaje o guión, que no terminan de dejar respirar la película lo suficiente como para resultar del todo orgánica.

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La casa muda (Gustavo Hernández)

Ante una película que presume primero de sus herramientas que de la función de las mismas, nos encontramos con lo que no deja de ser un escudo de titular periodístico ante cualquier envite sobre su contenido, tirando a nulo. Desde el “basado en una historia real” hasta el (falso) plano secuencia, la película contiene breves aciertos que mantienen el interés pero que cristalizan en un conjunto amateur y que pronto se revela como una lamentable excusa para crear un producto impostado.

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Colorful (Keichii Hara)

Vamos a echar mucho de menos a Satoshi Kon. Colorful demuestra como materiales sumamente delicados del anime pueden convertirse en desastre en las manos equivocadas. Sin explotar nunca su vertiente más visual, pese a que el origen fantástico de la trama como el título pueden llevar a engaño, tampoco consigue que su costumbrismo bienintencionado deje el poso necesario. De esto hay que culpar en gran medida a una historia que abre y descuelga subtramas sin motivo aparente, dedicándole excesivo tiempo a secuencias pretendidamente bellas pero fallidas, como la búsqueda de la ruta original de un tranvía, mientras desperdicia algunos de los mejores elementos emocionales, empezando por una relación madre e hijo que en buenas manos habría sido digna del maestro Ozu.

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Confessions (Tetsuya Nakashima)

Tengo una particular debilidad por las tramas de giros complejos y venganzas subterráneas, Confessions podría ser eso si su director dejase en algún momento de abusar de la slow motion y no se entregase a unos veinte minutos finales eternos, cargados de monólogos explicativos con los que busca atar y dejar claro todo lo ocurrido en la trama. El contenido más descaradamente pop y la indefinición de un protagonista no casan con el buscado dramatismo.

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L’Enfer d’Henri-Georges Clouzot (Serge Bromberg y Ruxandra Medrea)

Documental de visión obligatoria, no sólo por el rescate las imágenes que revela de la que pudo haber sido una de las películas más legendarias del pasado, una película que se soñaba como el paso adelante a Ocho y medio de Fellini; si no que además tenemos la oportunidad de ver la otra historia, aquella que el recientemente fallecido Chabrol no pudo recuperar, la historia que envuelve a esta película, en la que el prestigioso y minucioso Clouzot se da de bruces contra una nueva forma de entender el cine a la que no es capaz de adaptar su forma de trabajo, fracasando estrepitosamente. No es sólo la historia de un hombre que se vuelve loco de celos, si no la del hombre que quiere llevar esa historia a la pantalla y durante el proceso, se vuelve loco a sí mismo.

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Fire of Conscience (Dante Lam)

Casi una guía perfecta para entender el thriller hongkonés, Fire of Conscience consigue resultar el modelo idóneo con el que se mueven arquetipos perfectamente sincronizados. Aunque falto de la precisión y lirismo de un Johnnie To afortunado o del temple de Ringo Lam, la película contiene algunas secuencias de acción tan maravillosas y sorprendentemente físicas que uno se pregunta porqué seguimos dándole bola al cine norteamericano y sus cgis. Falto de pretensiones pero insuficiente en su carga dramática, Fire of conscience nunca termina de ser el gran film que podría haber sido, lo que no la hace menos entretenida.

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Insidious (James Wan)

Aunque es fácil quedarse con que se trata de una relectura nada vistosa de Poltersgeit hay que reconocerle a Wan una capacidad para aderezar sus películas con ciertos elementos barrocos que las diferencian de productos más acomodaticios. El espectador ya habituado se encuentra quizás con una película demasiado previsible y falta de garra, pero con un entretenimiento mayúsculo salpicado por alguna imagen poderosa.

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Jack (Kryshan Randel)

La vuelta de tuerca ha dejado de ser vuelta hace mucho: colocar a un elemento inusual como asesino vengador ya no basta. Jack sabe que le consume en el tiempo a cada plano que gasta en contar algo que conocemos, así que lo despacha con inmediatez y sentido del humor, como una pildorita que consigue que un chiste muy gastado se haga más gracioso contándolo a mayor velocidad. Realizado en 48 horas, el resultado puede no ser el más ingenioso pero es dificil imaginárselo mejor hecho en ese plazo.

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Je t’aime (Mamoru Oshii)

Mamoru Oshii se entrega a una base de videoclip para presentar una pieza corta donde se cruzan dos obsesiones: los perros de raza Basset Hound y la anormal belleza de seres artificiales femeninos. En una competición entre candidez y estallido de violencia, el supremo trabajo de animación no compensa la falta de enjundia de lo que no pasa de una demo técnica. Quizás un pequeño salto entre la lírica de la propuesta y cierta cursilería impostada, obligatoria cuando el nombre del director antecede cualquier proyecto.

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Juan con miedo (Daniel Romero)

La obra más redonda de Daniel Romero tiende un inusitado puente entre la estructura de relato corto americano (presente en el cómic al estilo Weird Science que porta el protagonista) y una tradición más castiza que bien podría remontarse hasta Goya. Conjuga una historia de inocencia, que podríamos relacionar con cierto despertar sexual y de anteposición a los miedos de la infancia (tanto los reales como los de la fantasía), todo ello en la marcada tradición española de los pueblos como lugar de eterno retorno, aunque sea estacional.

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L.A. Zombie (Bruce LaBruce)

Bruce LaBruce dispuesto a presentarnos un producto de porno gay entre mendigos zombies que pretende relaccionar tanto los vaciles de una identidad sexual como la invisibilidad de las minorías. Es una pena que el asunto no de para mucho y lo que podrían ser grandes ideas, como la relación entre el coito y la resurrección, termine quedándose en un running gag que pierde fuelle a cada secuencia.

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The last exorcism (Daniel Stamm)

Abandonando el camino trillado de sustos fáciles sin ningún interés al estilo “Paranormal Activity”, “The last exorcism” podría ser la película de terror pensada para Richard Dawkins oLouis Theroux. La película se encuentra siempre en la disyuntiva de hacer lo que más le conviene a la trama o al arco del personaje principal, optando por favorecer a lo segundo y entrando una línea más próxima a “Ordet” y a los primeros momentos de “El exorcista” original que a cierta gratuidad de los sustos. La elegancia con la maneja un tema tan delicado como la fe o el pánico que generan las supersticiones la colocan como una película que se aleja del gore y los sustos a base de subir el volumen para entrar el camino de la atmósfera y de un final donde una única silueta recortada se torna de una fuerza espiritual apabullante.

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Monsters (Gareth Edwards)

Me fascinan varias cosas de esta película: desde su acercamiento a la naturaleza hasta su separación, tanto en la manera de “ver América desde fuera” (con claro contenido político) como en la de entender el género como una frustración de las expectativas. Vendida como el nuevo District 9 pero más próxima a Vinyan (película más atmosférica pero peor realizada) o El año que vivimos peligrosamente, Monsters no puede satisfacer a ningún fan del género que no espere más que una intrahistoria enmarcada en parajes naturales. El fantástico no solo como la aproximación a unos códigos genéricos, de hipótesis y elementos imaginarios, si no como la fascinación que nos puede producir una selva o una muralla. Ni que decir tiene que me posiciono totalmente a favor de esta película.

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La otra hija (Luiso Berdejo)

Berdejo, un cortometrajista veterano que nunca ha abandonado su personalidad, demuestra que tampoco la ha dejado de lado en esta película. Sin embargo, aunque mantenga un buen ojo y un talento técnico envidiable para relatar los terrores infantiles, y pese a que la sombra de Shyamalan (y en especial de Señales) navega durante los momentos más críticos, el resultado final es tan arrítmico que su clímax solo puede entenderse como humor negro. La sutileza se convierte en una cuestión de ritmo cuando, una vez estirada la propuesta y girando siempre sobre sí misma, la descripción del personaje de Ivana Baquero empieza a ser excesivamente obvia.

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Outrage (Takeshi Kitano)

El cine de Takeshi Kitano ha funcionado siempre por contrastes, por un distanciamiento de lo que cuenta que ya fuese a través de la introspección como de la ironía, hacía del planteamiento clásico algo más llevadero y personal. Tras una etapa donde su propia figura ha estado muy presente, convendría esperar que Kitano volvería al género yakuza con otros planteamientos. Sin embargo, parece que Outrage es más bien una hoja en blanco, un nuevo punto de partida donde su habitual lírica y sus dispersiones se dejan en favor del humor negro y la contundencia visual. Los fans estarán encantados y los detractores no entenderán nada, así que se puede decir que Kitano ha hecho suyo aquello de que todo debe cambiar para que nada cambie.

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Rubber (Quentin Dupieux)

Lo que empieza como un inteligente discurso sobre la independencia y la libertad creativa en el cine actual y una manera particularmente divertida de darle la vuelta a los elementos más trillados del slasher se convierte en un bucle infinito que se autojustifica en demasía, llegando a un punto muerto que es adelantado por la propia película para evitar frustraciones. Desde luego, cuando parece que la película podría jugar muchas bazas, como la no existencia de la ficción cuando esta no es observada, se queda sin comodines, aunque aún respire algo de ingenio por debajo.

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Secuestrados (Miguel Ángel Vivas)

Con la pericia técnica de los planos secuencia, Miguel Ángel Vivas consigue implicarnos en una historia de asalto a chalets de lujo y crear tensión y arrebatos de violencia francamente perturbadores. No sólo el trabajo de dirección le imprime un ritmo a la historia que se puede considerar todo un hallazgo en la puesta en escena, si no que la interpretación de Manuela Vellés se sale de la escala para (re)crear toda una angustia en primer plano. Si hay que indicarle alguna pega es su final, excesivo hasta límites (intencionadamente) cómicos y con remate de créditos irónicos (algo que he visto recientemente repetido en Buried de Rodrigo Cortés) que le quita todo el enorme peso dramático que la película ha depositado en la hora y media anterior.

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A serbian film (Srdjan Spasojevic)

Construida como una gigantesca caja donde almacenar todo lo tabú y desagradable, A serbian film no es solo una jocosa manera de crear un producto autoconsciente a partir de la provocación, si no que consigue cumplir con su cometido al elevar lo límite de lo permitido para ver en una película más allá de lo que podríamos haber imaginado. Brutal desde la primera secuencia, y nunca tomándose demasiado en serio a sí misma, es un festín del mal gusto para el que los estómagos entrenados se encontrarán agradecidos de tener, una vez más, algo con lo que epatarse.

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The Shock Labyrinth 3D: Extreme (Takashi Shimizu)

¿Se ha convertido el subgénero de fantasmas orientales en un callejón sin salida? Porque este supuesto laberinto solo tiene una dirección a seguir y es la de repetición de clichés a base de las manías de los peores actores vistos. Hasta el ‘extreme’ del título suena ya a tomadura de pelo ante una película que se limita a navegar con increíble flaqueza por recursos pobres e inofensivos. Ni ese 3D usado sin criterio alguno (difuminados y encadenados impiden que la cosa funcione como corresponde) consigue ser aprovechado lo más mínimo, ni para un triste susto contra la platea. Poco a poco, la película revela su verdadera naturaleza como material promocional de una casa encantada en un parque de atracciones de Japón y no como un producto exportable y cinematográfico.

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Super (James Gunn)

Allí donde la blandengue adaptación de Matthew Vaughn del rompedor cómic de Mark Millar, Kick Ass, fracasaba, James Gunn demuestra que el underground es algo que se lleva en la sangre y no una tendencia sobre la que crea la impostura de turno. Super consigue combinar herejía, violencia gratuita y ambigüedad moral con un deje poético y lacónico sobre su protagonista, del que nunca llega a compadecerse ni a engrandecer si no al que comprende en todas sus patéticas dimensiones para extraer, de lo que en principio podría haber sido una simple parodia de superhéroes, toda una forma de entender los éxitos de la vida con un, digamos, optimismo de resignación. Porque una película donde Rob Zombie hace de Dios y Nathan Fillion de su profeta merece siempre un fervoso aplauso, aunque solo sea por descubrirnos la faceta menos conocida de Ellen Page: la de eufórica ninfómana.

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The United Monster Talent Agency (Greg Nicotero)

Vale, es cierto que es fácil ganarse el aprecio del público a base de codazos cómplices, como pueden ser el cine dentro del cine y los guiños a los iconos más reconocibles. Pero es indiscutible que el trabajo de Greg Nicotero en esta pieza corta es uno de los más divertidos y adecuados vistos en el festival, no ya porque maneje unos medios inusuales para un formato tan denostado como el cortometraje, si no porque revela un acto más apasionado que cerebral. Podríamos decir que aquí la búsqueda de cómplices no es sólo un método para ganarse la confianza del espectador, si no una forma de hacerlo partícipe de una mitología compartida y festiva.

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Vanishing on 7th street (Brad Anderson)

Brad Anderson se limita a presentar un producto aceptable que vuelve a ver del mismo esquema de grupo heterogéneo enfrentándose a amenaza exteriorque tanto relacionamos con Howard Hawks o John Carpenter. Quedándose ahí, en todos los tics y problemas de un subsubgénero, Anderson desaprovecha la parte más mística de la amenaza, la duda sobre el origen de esta y el destino que aguarda a los acechados, malgastando la oportunidad de acercarse a las enfermizas atmósferas de películas como Kairo.

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The ward (John Carpenter)

Vuelve Carpenter y uno se pregunta que le ha mantenido no sólo nueve años alejado de la gran pantalla, si no porqué decide volver con una película tan impropia de él. Cargada de algunos sustos francamente previsibles pero con un desarrollo y un giro final sumamente gastados, es dificil encontrar momentos aislados donde el maestro tras las cámaras brille a todo su potencial. Quizás una aislada secuencia de baile entre mujeres arquetipo propias de fantasías masculinas, donde Carpenter conecta su trabajo con aquel al que Tarantino homenajeaba en Death Proof, sea el momento más liberador de una película que en ocasiones parece hecha con plantilla.

Zebraman: Attack on Zebra City (Takashi Miike)

Hacer una segunda parte de una película tan forzosamente demencial como Zebraman no es un reto baladí. Pero si de algo sabe Miike es de sorprender constantemente incluso al mayor de sus adeptos: videoclips insertados entre chistes de humor negro, pedos gigantes que arrastran ciudades, metáforas sobre centrifugado que se vuelven literales, una repetición del clímax de la original con vuelta de tuerca… el bombardeo de ideas absurdas es tal que, como una ametralladora, mal será que alguna bala no dé en el blanco. Quizás irregular por momentos, sobre todo en aquellos donde la trama se desarrolla de un modo más convencional y en la obligatoriedad de lo pop al que el cine japonés más comercial está supeditado.

Cineuropa 2009 (I): Ashes of time

karwai

Del mismo modo que James Gunn propuso hacer en PG Porn una adaptación de la pornografía sin el componente erótico, Kar Wai nos propone un wuxia donde las peleas, epicentro de malabarismos visuales y principal reclamo, es lo de menos. “Ashes of time” se compone como un puzzle sensitivo, donde lo visual y sonoro se dan cita para despertar los demás sentidos, y componer con ello un intrincado e intrascendente mundo de narrativas estereotipadas, de épica trasnochada y fabulismo de tres al cuarto. Kar Wai busca en ello la esencia del género con un envidiable gusto para componer imágenes y rehacer a su gusto en montaje, con algunas transiciones que reformulan, en clave autoral, los zooms y fotogramas congelados de producto directo a video; pero olvida con ello todo el componente festivo. Así, en un intento de imitar al Leone que hacía de la descomposición del western en elementos muy básicos, obras maestras, se encuentra el director chino con un equivocado concepto del género, donde confunde esa composición con un ejercicio excesivamente intelectual, llevado al paroxismo de que las escenas de acción se reduzcan a la ráfaga y el plano detalle, donde pierde por el camino todo componente lúdico y alegre que es, en si mismo, la esencia de los géneros. Valga para ello la secuencia en la que compagina la ceguera de un personaje con el ensordecimiento del espectador, que funciona a niveles narrativos de manera privilegiada, pero carece de un objetivo al negarse con ello la acción, y ser esta inconstante, por no decir efímera, en todo el metraje. Desde luego, no hay que condenar a Kar Wai por intentarlo, pero lo cierto es que el experimento es, más allá de un espectáculo visual y sonoro de confusión argumental, algo más curioso como propuesta que como resultado.